小篆转换_赵孟頫小楷
小篆转换，赵孟頫小楷？
首先谢谢您的邀请！
正巧我也在临赵孟頫的《汲黯传》。从您发的作品来看，恕我直言，比照原帖，无论从“形似”还是“神似”上，其差距还是满大的。以我临帖的体验，给您几点建议：一是别急于临帖。先用心多读几遍原帖，细心揣摩其结字用笔的规律，尤其是起笔和收笔等细微之处。磨刀不误砍柴工，读帖是悟的过程，所谓心手相畅，意在笔先就是这个道理。
二是再临习时，你不妨由小楷改写中楷试试。用大笔写中楷、大楷，这是古今大家一致推荐的行之有效的经验之谈，实践证明效果不错。其好处在于对单字形态和细微处能较好地把控，同时可增强和提高驾驭笔的能力，此后再改用小楷写，就驾轻就熟了。
三是临赵帖前，建议最好先临钟繇的小楷《三表》和唐人写经等帖，以此入手为宜，待有了一定基础，再临《汲黯传》可能更宜上手。
以上是自已临帖的心得，不知是否有用？仅供您参考！
（临习赵孟頫《汲黯传》局部）
画画好的人书法也不错真的是这样吗？
关于“书法写得好的人画画也都不错，画画好的人书法也不错真的是这样吗？”这个问题，我想知道题主的“画画”指哪一类画种？画画的种类很多，除了中国画以外，油画、水彩画、素描等都是西方画种，和书法有关的就只有国画。您问答中的“画画”应该是指“国画”吧？如果是指国画，我认为这个说法太过绝对，不是所有人都是这样。我尝试从以下几个角度来分析这个问题。
书法和国画的关系一、书法和国画相通之处
工具相同
书法和国画都是使用毛笔、宣纸、墨汁等工具来进行创作。
起源相同
自古就有“书画同源”的说法，因为文字艺术是在绘画的基础上产生的。中国的文字是我们祖先在漫长的实践中摸索并创造出来的。他们通过用结绳、符号、图像等形式记事，慢慢的才有了文字的产生。
从现在很多地方发现的原始时期的岩画，都是以象形的面貌呈现的。随着文字越来越抽象，文字和绘画逐渐朝着两个不同方向发展。唐代张彦远《历代名画记》中说：
“颉有四目，仰观垂象。因俪鸟龟之迹，遂定书字之形，造化不能藏其秘，故天雨粟；灵怪不能遁其形，故鬼夜哭。是时也，书画同体而未分，象制肇始而犹略。无以传其意，故有书；无以见其形，故有画”。
岩画笔法相同
无论是书法还是国画，都强调“用笔”，也就是使用毛笔作画或者作字的方法、法则、技巧、规律等。书法和国画都是以线条来造型的艺术，用线的方式极为相似。明代唐寅在《论画用笔用墨》中说：“工画如楷书，写意如草书，不过执笔转腕灵妙耳。”，不止唐寅有这种说法，明代王世贞也有类似的观点，他在《艺苑卮言》一书中以画竹为例对此进行了论述：“干如篆，枝如草，叶如真，节如隶”。可见，书法的笔画和国画的用线在用笔规律上都是相通的。
墨法相同
书法和国画都强调墨法关系，即“墨分五色”，“五色”指墨色的“浓墨”、“淡墨”、“干墨”、“湿墨”、“焦墨”。墨法的变化，在国画上可以表现出画面的虚实、远近等空间关系，在书法的笔画上可以表现作品的神韵、气势等意味。清代龚贤说：“墨中见笔法，始灵；笔法中有墨气，则笔法始活。笔墨非工事也。”，清代王石谷更加具体地说：“凡作一图，用笔有粗有细、有浓有淡、有干有湿，方为好手。若出一律，则光矣！”。
龚贤山水画意境相同
国画和书法的意境也是很相似的，都可以通过它们来表达我们心中的情感，贯穿着中国的国学思想，都追求高的境界。国画和书法都源于先哲们的文化思想，追求天人合一。
二、书法和国画不同之处
书法和国画最大的不同之处在于“用水”，国画要求有浓淡变化，水少则浓，水多则淡。而书法不需要，从古人的书法墨迹中我们几乎看不到用淡墨的现象，今人在创作中才有所使用。
其次是“用色”，彩墨画需要用颜料来对画面进行晕染，书法一般都只使用单色。
三、善画者，必善书
会书法不一定要会国画，但会国画一定要会书法。我想这个道理很简单，因为古人学习国画必须是建立在书法的基础上，想要国画走得更远，就必须要在书法上下死功夫。南齐谢赫《古画品录》中提到绘画的创作要求和评判标准，也就是所谓的“六法”：“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写”，其中除了“应物象形”和“随类赋彩”以外，其它四法通通都在书法中体现出来。
“骨法用笔”是中国画的灵魂，唐代张彦远在《历代名画记》里提到：“凡物象的必在形，形似须全其骨，骨气、形皆本立意，而归乎用笔”。“骨法用笔”就是指线条的力量感，如力透纸背、力能扛鼎、高山坠石、棉里包针等都是形容线条的力量感，是“骨气”的体现。古人倡导“风骨”，这种力量感也包含着人格、道德、精神等，是对生命存在和发展的肯定。这种“骨法用笔”就是对通过书法的训练得出来的。
王献之草书《中秋贴》唐以前虽然没有明确强调以书入画，但每一个善画的画家都会书法，部分画家作画的灵感来自于书法。张彦远在《历代名画记》中有这样的说到：“有了王献之的一笔书,便有了陆探微的一笔画。”；据说张僧繇作画都是借鉴东晋书法家卫夫人的《笔阵图》；唐代画圣吴道子画人物线条的表现方法，来自于张旭的草书。
书法和国画在唐宋之际，才逐渐将它们有意的结合起来，也就是我们现在说的“文人画”。大诗人王维就是文人画的鼻祖，苏轼这样评价王维：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”
王维山水画后来的文人画更加注重书法和绘画的融合，“元四家”之一的吴镇用写书法的方式来画竹；赵孟頫在自己的《枯木竹石》画上题字曰：“石如飞白树如摘,写竹还于八法通,若也有人能会此,须知书画本来同”；明代书画家唐寅也有：“工笔画如楷书,写意画如草隶”的说法；郑板桥在作画中得出这样的结论：“要知画法通书法,兰竹如同草隶然。”。可见，书法对绘画的促进作用是很大的。
国画的笔法也就是书法的笔法，画到高度就是“写”。李苦禅先生说：“画至书为高度”。好的国画作品，合起来看，每一笔都很形象，拆开来看，每一笔都是书法。
我国历史上能书善画的大家也很多，比如宋代苏轼、米芾、元代赵孟類、明代董其昌、清代郑板桥、赵之谦、徐青藤、八大山人、近代的弘一法师、黄宾虹、齐白石、李苦禅等。
赵孟頫书法作品四、善书者，易工画
书法基础好的人，学国画相对来说比较容易，书法和国画是相通的，所谓“工画者多善书,善书者易工画。”就是这个道理。
五、书法是中国画的美学基础
书法是抽象的艺术，是中国画的美学基础。国画与书法有着千丝万缕的联系，通过欣赏书法点画构成上的美感，线条上的刚劲、含蓄、精微、雄壮、优雅、洒脱等；形式上的和谐、匀称、大小、疏密、虚实等；这些变化在国画中都有体现，甚至是寥寥数笔，其富含的韵律都是千变万化的。这种书法上的美学欣赏，给中国画提供了一套完整的术语，这套术语就是中国的美学基础。除了绘画以外，还有诗歌、建筑、瓷器等都离不开书法上具有的美学要求。
中国画离开书法就是孤立存在的，就不能称为国画，比如当代比较流行的水墨画，其主要是在传统工具应用的基础上，结合西方绘画艺术的表现方法，大多数都以抽象的形式来表现。这类画种存在很大的争议，很多人认为这背离了中国艺术的精神。
吴冠中水墨画备受争议最大的画家主要是吴冠中老先生，他是中国具有很大影响力的油画家。他后来将西画和中国画的元素结合起来，用简约的墨块来表现水墨画。他曾提出“笔墨等于零”的观点，一度引起画坛的轰动。我很欣赏吴冠中老先生的骨气和精气神，但我认为他的当代水墨画就是孤立存在的，那是一种艺术表现形式，不属于中国画范畴。
综上所述，无论是国画还是书法，离不开中国传统文化的艺术精神，它们之间有许多共性的东西。传统文化需要在继承上发展、创新。可是平时写出来与练字时差异甚大？
你所说的情况，多数人都会遇到，大概就是从临摹字帖，然后就直接横空跨到创作，中间缺少一个衔接过渡到过程，所以感觉有一定心理落差。
写字是一个逐步提升过程，开始你能看到明显进步，越到后来就越难有突破了，合理的安排程序应该是先临帖，再试着临习集字，先2-7个字的写一写格言，对联。
觉得集字有模有样，找到感觉，再过渡到写一些字帖上没有的字，再创作。
再一个就是要把读帖、背帖和临帖结合起来。读帖、背帖和临帖一样重要,同样是审美意识的锻炼过程。艺术不同于自然科学,它是通过不断的在临帖与临习之间的磨合中逐步找到感觉.
并非一是一，二是二，不是通过“计算机”般逻辑思维计算的累加的，是属于形象思维。学了一年两年，就想立刻刀下见菜，拿出个作品。往往会欲速则不达。
同时也和每个人具体个性习惯来说的，有些人是通过临帖，喜欢创作，就较快进入创作，然而学着写着， 却遇到瓶颈期，平台期，感觉还没有以前写的好，又再临帖，再回来创作。
有些人是慢热型，厚积薄发，虽然写了多年，实战了几次，总觉得感觉创作不好，所以就还是坚持不懈临帖和练习。随着时间的推进 由于有多年临帖的肌肉记忆，特别是基本掌握背临了范字的笔法和结构，所以一旦突破自我，大胆创作，写个对联，赠言，竟然无缝对接，写得挺好。
再一个就是现在书展很多,应尽量多去参观。多看看，就会有眼界审美提升。
书法练字是一个逐步完善的过程发，除非是那种大学里的书法班，几年里强化训练，速成式的科学合理的训练，加上每天一大半时间都用在书法临习上，我们一般人还有工作生活日常杂事，所以难以在短时间里迅速提高。
明白了上述道理就可以按部就班，从临摹，再到临习，再到创作逐步过渡。虽说"字无百日功"，其实那是古人鼓励人们入门级别的鸡汤。别太当真，学过书法后就明白，学习就如同"冰冻三尺非一日之寒"一模一样道理，你只管临，写到能达到熟练，并且背临的时候，就可以临习，这也不是一蹴而就，一步到位的，也是进一步退两步，有好有坏慢慢有了笔感，是一种螺旋式上升，看着似乎没进展，其实是在积聚力量，是量变到质变的黎明前的黑暗。过来了，就会越写越顺手的，最后找到自信，有种"心手双畅，惠风和畅"的愉悦感，基本就可以进入书法艺术的殿堂傲游了。
我该怎么提升我的绘画能力？
很高兴为你解答这个问题！
首先我是零基础绘画小白，从来没有系统的学过绘画，就是单纯的喜欢绘画。接触绘画不过两年时间。我把我得个人经验分享出来，大家可以参考！
首先我没有报班，也没有买视频资料学习，到现在最基本的素描的线条我也画的不好，我刚开始是画的彩铅画！开始就是模仿，疯狂的模仿，模仿各种风格的画作，在网上下载图片按照一比一的比例来画的，最开始的时候我不会搭配色彩，搞不懂透视关系和明暗关系。有时候画不对也没人指导，反正就是画不对再重新花一次，知道画对为止。
一边画一边思考，葱最开始的完全模仿，到后来的加入自己的原创和思想在里面。渐渐地觉得自己画的画和原创作者差不多的时候，这个时候可以尝试稍微复杂的画作，比如人物啊。风景啊或者颜色搭配比较复杂的，很仔细很仔细的观察每一个步骤的颜色上色的细节！这个过程很枯燥。一般一幅画就是好几个小时，颜色也一层一层的叠加！有时候可以画十几个小时，这个时候不能慌张，慢功出细活！
最后我感觉自己大概掌握了线条的构图，色彩搭配。明暗关系，透视关系之后，就是开始尝试找到自己喜欢和合适的风格，开始了自己的原创！
有了一定的绘画基础后，我开始在网上看教学视频，观看更多的大神的画作。找到自己擅长的画风，和工具。我就选择了彩铅，当然油画，水彩也是不错的！只要掌握了绘画精髓这些都是信手拈来的！多看多观察别人的画作！变看边思考！所以没有基础的绘画小白只要肯下功夫。其实都是会很快提升绘画水平的。我也没用多长时间，大概几个月吧！当然如果有报班学习或者有请人指导就更快了！
怎样安排书法的章法？
书法创作的基本章法，传统的有中堂、对联、条幅、横幅、斗方、册页、扇面等多种形式，这些章法又可以派生出很多新的喜闻乐见的样式来。下面逐一说明：
1、中堂这是传统基本章法之一，一般篇幅比较大，多为四尺整纸、六尺整纸，采用竖式结构，现在也有尺幅较小的，适应现在居家小空间的装饰，称为小中堂。中堂的基本形式付下图：
2、对联对联是老百姓见得最广的书法形式，左右相对，右为上联，左为下联；对联除了传统的贴在门扉上之外，也可以装裱以后两两相对悬挂在书房，也可以挂在中堂的两边。对联的基本章法如下图：
3、条幅条幅为竖式、窄长，通常为四尺对开、六尺对开，条幅与中堂的区别就是，条幅没有中堂那么宽，约为一半。条幅这种形式又可以写成规格相等的四条、六条、八条，则称为四条屏、六条屏、八条屏。条幅的基本形式如下图：
4、横幅横幅跟条幅有点类似，但是条幅是竖式，横幅是横式，通常为四尺对开、六尺对开，。条幅如果长度进一步延伸，则成为手卷。横幅的基本式样如下图：
5、扇面扇面最初是在扇子上写字作画，后来将宣纸裁剪成空白扇面形式，演变成一种章法，写的时候需要灵活处理，适合写轻巧的字，不可写很粗壮的字。扇面也可以将几幅同时装裱在一起，成为连缀扇面。扇面基本形式如下图：
6、斗方章法上将正方形或者接近正方形的幅式，称为斗方。这种形式现代居家装饰用的越来越多，通常装裱以后配框，具有现代感。在现代展览中，通常将几个斗方装裱在一起，形成连缀形式。
7、册页册页类似于书本的形式，将长卷折叠成一面一面，这种形式常用来写手札、诗文、日志等，现在也有装裱好的空白册页，买回来直接在上面写字即可，非常方便。册页形式如下图：
传统书法章法基本就是以上形式，当然在实际应用中可以基于传统，不断探索，推成出新。
现代展览中有很多好的章法形式，可以借鉴。
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