书法的最高境界_书法最高境界是什么
书法的最高境界，书法最高境界是什么？
可以随心所欲书写自己喜欢的字体！不管是书法爱好者还是书法家！如果能跨过去心中那一坐高山就是心目中最高境界！
书法和画画有没有最高境界？
谢悟空邀答！
书法和画画有没有最高境界，我的回答是没有的。齐白石如果再努力点，画的价格会不会更高，我的回答是不会的。
先，我们来说第一个问题，为什么书画没有最高境界。所谓最，必须是可以量化的比较，或者是相对的比较。比如十个人比体重，它既有量化，也有范围，就可以比出那个最来。这样，就是再多的人来比也是可以，一千一万，几千几万，总有那个最重的。
又比如体育比赛，比体操，比自由体操。虽然没有量化，它有相对性。这一届比赛，多少运动员比，谁是冠军，谁是亚军，呵呵，还没有世界记录。每一次的最高成绩，也只能认做是这一次的，与往届以及以后的各届基本没有什么关系。
书画，是个意识方面的事情，它的优劣只能是感觉，很多还只能意味不可言传。而且它涵盖的内容、因素多种多样，复杂的很嘞。所以没有一些比较的范围限制，条件限制，比如什么时间段的人，什么地域范围的作者，什么书体什么画种的比较，是说不上最的。题主的本意也不是提出比较，而是“有没有”，那么，“只有更高，只有最高”，书法画画没有最高境界。
再，齐白石再努力，他的画价也不会高。为什么？因为画的好坏与画价的高低不一定成正比的。可能大家都有耳闻，齐白石生前的画价不高，就是死后好多好多年画价也不贵，只是现在到了天价（当然也有人说“还远远没有到顶”，这个话题不在此论）。画家的画价(有点绕)倒是与其他的一些东西有很大的关系。比如有人抬，抬得动的人来抬。有人炒，炒得动的人来炒。又比如权势，比如地位，比如头衔，这些大家应该都知道吧（类似股价）。这些条件齐白石其实占了几个，但是他的画价要再上一个台阶也是困难了，若是靠努力。
如果真的要论可能性的话，还有一个办法，就是寿命再长几年，画价一定会更高，不过也没有现在高。（END）
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我认为天河老师书法开创了中国书法的新境界？
书法在传承的前提下要有一些自己的东西 是能融入共性中的个性 若不然 只能看谁临得帖像与不像了 看看下面的书法有什么不同
于右任最爱的一幅对联？
这是于右任题赠一寿星友人的对联。上联推崇“和气”这样一种宽容豁达的胸怀。心平气和，不仅是为人处事应有的心态，也是祛病延年的妙方。金·王若虚《复之纯交说》：“吾病始兆，悟而药之，治养以方……行之期月，乃复其常，心平气和，百邪不攻，乃愈而康”。因为只有心平气和，才能使人的五脏安和，气血旺盛，心情平定，动作自如。
下联则是“生命在于运动”真谛的演绎阐析。于右任手成的天地之功，不仅指他坚持操练的养生健身的“八段锦”功法，更指他独特的书法艺术。正如明代何乔远谈到书法养生时说：“书者，抒也，散也，抒胸中气，散胸中郁，故书家每得以无疾而寿。”清代书法家包世臣也说：“学书如学拳，学拳者，身法步法手法，扭筋对骨，出手起脚，必及筋之所能致至，使之内气通而外劲出。”所以书画家多寿星。
书法中和的最佳境界是一个什么状态呢？
什么样的书法才算是好的呢？我认为就是一个“和”字。一件作品要达到“和”的最佳境界，是一个什么状态呢？线条的长短粗细、用墨的浓淡枯润、点画间的隔格距离、字与字之间的大小参差，等等，都能做到既没有过，也没有不到位，恰到好处的“中庸”状态，这样的书法才是好作品。
那么，怎样才能甄别出一件作品的优劣，如何才能写出一件好作品？我认为，应从用笔、结构、章法这三个方面来着手。
讲到用笔，自然要说立体感。一般来说，中国古代的书法家，写字都喜欢中锋用笔。因为中锋用笔写出来的字，就具有立体感。中锋行笔的特点是笔画比较饱满、浑厚、圆润，有句话叫“存筋藏锋，灭迹隐端”“藏头护尾”，这是对中锋行笔的形象描述。然而侧锋行笔截然不同，就是笔尖侧着锋，从左下开始入笔写出去，锋芒毕露，比较张扬。生活当中有一种人的性格也是这样的，对应于笔法上，就是侧锋取法。大家看唐代冯承素《兰亭序》摹本，虽然没见到过王羲之的《兰亭序》真迹，但是可以据此摹本推测，《兰亭序》的真迹大概也是中锋用笔来书写的。比如明代张瑞图的作品里字字可见典型的侧锋用笔，造就了他张扬不羁的书风。大家将这两幅作品相互对比，就能看出区别。虽然历史上一般的书法家都喜欢并且惯于中锋用笔，但是我们也不能说中锋用笔就是好，侧锋用笔就是不好。这就像是低调、内敛的人就是好，张扬、外露的人就不好一样。待人接物，有时候需要低调内敛，有时候也需要放开一下，适当张扬一下。人就是这么一种复合性的性格，那么在一件作品当中，有时候用中锋，有时候用侧锋，也是一个道理。比如这件王珣的《伯远帖》，是如今流传下来为数不多的一件魏晋书法真迹，应该是体现了魏晋书法作品的最高境界，每个字无时无刻不是处在随机的变动当中，完全是根据书写者当时的心情而来，一会儿是中锋，一会儿根据需要也可以用侧锋，而绝对不是事先谋划好、固定好的，否则那就无法称之为艺术。讲到《伯远帖》，还有两件作品也必须要提到，一件是王羲之的《快雪时晴帖》，一件是王献之的《中秋帖》，它们被清代的乾隆皇帝视为一生当中最稀有的三件宝贝，他的书斋号“三希堂”就是因此而来。这两件作品没有真迹传世，都是唐代人的摹本，《快雪时晴帖》今天藏在台北故宫博物院，《中秋帖》跟《伯远帖》则藏在北京故宫博物院。
用笔除了要有立体感之外，还要讲究变化感。这个变化是指用墨的浓淡枯润的变化，变化越丰富，作品显得越有味道。除此之外，还有线条的长短变化，变化的节奏感。节奏感常常用于音乐，而书法也有节奏感。如果下笔重一点，用墨浓一点，线条粗一点，就好像一首乐曲节奏中的重拍音符；如果下笔轻一点，用墨淡一点，线条细一点，就好像一首乐曲的弱拍音符；如果线条长一点，就好像乐曲当中的延长音；如果笔画似断非断，就好像乐曲当中的休止符。由此可见，艺术之间虽然门类有所分别，然而内在的实质基本是相通的。还有力量感，就是一个字当中，肯定有一个“眼”在那里，写任何字，如果抓不到或是写不出这个“眼”，那这个字是没有味道的，也是没有神采的。有了这个“眼”，这个字突然之间就活了起来，灵动了起来。
在结构方面，怎么样把一个字写得漂亮，一定要掌握一个原则，就是“整齐平正，长短合度，疏密均衡”。这样的字写出来才会四平八稳，稳如泰山，同时也符合了“中庸”的美感。此外，如果能“在平正中见出险绝，险绝中求得趣味”，那这个字就更加神采奕奕了。但是不管怎么变，整个字在你的手下，一定要有个原则，就是不改变点画在字形中的排列次序，从改变点画的粗细、点画之间的距离、角度或增减点画等产生的结构变化。总而言之要以“和”为最高的原则。线条太粗、太细、太长、太短都不好看，要恰到好处。
写字还要干干净净，清清爽爽，来龙去脉交代得清清楚楚。相对楷书而言，行书、草书受情感波动的影响比较大，所以在书写过程中，随时都处在“变易”当中。而“变易”是中国传统文化当中一个最重要的特点，要把“变易”落实到位，是不容易的。在写字上，写到最高境界就是该收的要收，该放的要放。懂得了该与不该，也就懂得了中国文化。
在章法上，能把每个字写好并不难，但是若能把很多字串在一起，每一处的关系也都能处理得很到位，那就不是那么容易了，这大概就叫章法。它包括正文、题款、印章，可以呈现为条幅、横幅、斗方、扇面等很多样式。正文可以是抄写古人的诗词文章、警句格言，也可以是自己撰写的文字。落款的字一定要比正文小一点，盖的印章一定要比落款小一点，这样才会好看。总之正文要大，落款要小，印章更要小，印章永远只是起到一个点缀的作用，这是一种约定俗成的美的状态。大概在元初的时候，书画家们才有意识地在作品上盖印章，盖印章的目的通常是为了点缀，或是起到证物的作用。
说到章法，这里就来谈一谈苏东坡的《北游帖》。苏东坡曾在杭州当官，后来被朝廷派去密州、徐州一带任职。那段时间，他非常怀念在杭州生活的日子。有一天，他接到杭州一位方外故友可久的一封信，更加勾起了他对杭州的思念。《北游帖》就是苏东坡对可久的一封复信，信中所谓“北游五年，尘垢所蒙，已化为俗吏矣。不知林下高人犹复不忘耶”，流露出自己对杭州生活的怀念。一件书法作品的极致状态，其实就是体现了中国哲学的“关系”。一个人达到最高境界的时候，他也绝对可以在两个极端之间自由游走。在苏东坡的这幅作品中，他将“蒙”写得很大，而随后又把“已”字写得很小，如此放手自由创作而不显突兀与失误，是在于他把握住了中国文化当中的密码。所以，我们研读古代的法帖，其实也是在与古人对话。
